Un mes en el cine … julio 2020

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El comienzo de un nuevo mes significa el regreso de A Month at the Movies , y para aquellos de ustedes que leen esta función por primera vez, es una película revise el artículo, donde miro hacia atrás a cada película, antigua y nueva, que vi durante el mes pasado y ofrezco opiniones sobre ellas y las califico en una escala E-A +. Mientras que los cines en el Reino Unido comenzaron a abrirse a fines de mes, todas mis visitas aquí son películas que se ven en casa en varias plataformas de transmisión como Disney +, Netflix, Amazon o Mubi, o como un lanzamiento físico en Blu-Ray o Formato de DVD según la película. Para darle una idea de lo que puede esperar este mes, vi mi finalización de las películas principales de Studio Ghibli que componen su filmografía principal por primera vez, además de las esperadas vistas de películas como Frozen y clásicos como Once Upon A Time in America , mostrando como siempre, una gran variedad en la cobertura de género.

Doctor Who: The Movie (1996; Geoffrey Sax)
El puente entre la serie clásica y la actual, este reinicio americanizado de Doctor Who cae un poco plano, pero es principalmente observable gracias al excelente rendimiento carismático de Paul McGann, quien desde entonces se convirtió en un habitual de Big Finish Audio Dramas, emergiendo como uno de los médicos más subestimados en la historia del programa. Como piloto hecho para TV, hay algunas imágenes creativas de Frankenstein utilizadas en la forma en que la película maneja el concepto de regeneración usándola como una crítica al sistema de salud estadounidense , y aunque la actuación de Eric Roberts como The Master es una desilusión, hay peores remakes estadounidenses por ahí (solo hay que mirar las reimaginaciones de The Inbetweeners y Vida en Marte). A pesar de ser lo suficientemente agradable como para verlo, no es muy recomendable para los recién llegados a la serie, ya que hay mejores puntos de entrada en otros lugares, pero es una visita obligada para cualquier fanático del programa. C +

Hamilton (2020; Thomas Kail)
Un lanzamiento de ensueño para Disney + que muestra el poder crudo de este musical, llevándolo a audiencias que no lo harían necesariamente he podido verlo en vivo en el escenario de antemano como yo. Hamilton se destaca como un entusiasta complaciente de una pieza de historia revisionista, ayudado por un elenco de estrellas con Lin Manuel-Miranda acompañado por personas como Daveed Diggs, Leslie Odom Jr , Renee Elise Goldsberry y Phillipa Soo, entre otros, que merecen absolutamente toda la aclamación de los últimos 5 años más o menos. Las canciones son diversas y pegadizas en todo momento, con algunos números musicales estelares que probablemente no te dejarán de lado pronto. La dirección de Thomas Kail ayuda a capturar el espíritu de ver una obra en vivo sin estar allí en persona, y aunque preferí la primera mitad más optimista a la segunda tragedia, Hamilton todavía gana su estado como uno de los musicales definitorios de la 2010 s. UNA

Congelado (2013; Chris Buck y Jennifer Lee)
Una primera vez desde hace mucho tiempo para mí, de alguna manera me las arreglé para perder el bombo en Frozen cuando salió por primera vez. La mejor parte de esta película es cuán pegadizas son las canciones (la banda sonora es de primer nivel), y me encanta cómo se desvía de la típica fórmula de Disney Princess, torciendo nuestras expectativas a favor de algo más creativo. enfoque para el departamento de narración de historias de Walt Disney Studios. Aunque no soy un gran admirador de la animación que no ha envejecido espectacularmente bien, sin duda la hubiera disfrutado aún más en una pantalla más grande, ya que no creo que el pequeño televisor en el que vi mi DVD lo haya logrado. justicia. De todos modos, es fácil ver por qué Frozen es tan complaciente, ganando los corazones y las mentes de muchos, conectándose tan bien con su público objetivo. SI-

El mercenario (1986; Sergio Corbucci)
Sergio Corbucci puede sentir con razón corto en comparación con los elogios que Sergio Leone recibe como uno de los mejores directores occidentales de la historia; es igual de bueno y The Mercenary sigue a Django y The Great Silence de Corbucci una película ricamente dibujada con piezas creativas que sin duda inspiraron o al menos tuvieron cierto grado de influencia en The Wild Bunch de Sam Peckinpah . El puntaje de Ennio Morricone es como siempre, un golpe maestro, y The Mercenary es solo una gran película para ver, maximizando la mayor parte de su tiempo de ejecución que culmina en un duelo final para las edades. Es difícil pasar por alto la importancia que Franco Nero y Tony Musante logran traer a la mesa al entrar en esta película, ya que muestran una química notablemente buena en los papeles principales, llevando incluso las escenas más débiles e inyectándoles energía pura que siempre mantiene esto. película sintiéndose realmente vivo. UNA

Hubo una vez en América (; Sergio Leone)
Me estoy quedando sin superlativos para Ennio Morricone. Sergio Leone escucharía las partituras de Morricone y luego dirigiría escenas a su alrededor en lugar de que el compositor trabajara para la película; lo cual es un elogio por derecho propio y realmente hace que las piezas que Leone construyó aquí se sientan aún más memorables debido a esto ( El tema de Deborah , por ejemplo, es uno de mis favoritos partituras individuales en la historia cinematográfica). La pasión y la artesanía de la mano de Leone se siente realmente en esta epopeya de gángsters que rivaliza si no es que es mejor The Godfather , gracias a las actuaciones encomiables de artistas como Robert DeNiro y Elizabeth McGovern. Once Upon A Time in America es como el logro más poderoso que me hicieron creer, uno que a la vez está empapado de tragedia y traición: dividido por la mitad en dos mitades con un intermedio que atraviesa su núcleo. Dado lo consistente que es la película en términos de su calidad, es difícil elegir una sección sobre la otra, ya que ambas se destacan notablemente bien, hasta el punto en que Leone usa cada segundo del tiempo de ejecución proporcionado de una manera donde su duración de cuatro horas es Realmente nunca se sintió en lo más mínimo. UNA

The Old Guard (2020; Gina Prince-Bythewood)
A pesar de ser un fanático de los cómics de Greg Rucka (que también está en tareas de secuencias de comandos aquí), y después de haber disfrutado el trabajo televisivo de Prince-Bythewood en el pasado para Cloak and Dagger , no era fanático de The Old Guard , que se siente demasiado genérico a pesar de algunas actuaciones impresionantes, construcción de mundos y escenas de acción. Charlize Theron y Kiki Layne llevan en gran medida un thriller de acción indescriptible que se siente como un piloto de televisión de gran presupuesto: piensa Near Dark a través de Alias ​​. Si bien realmente quería que me gustara este, con el mundo creativo en construcción, realmente brillando, parece que la mayoría de las películas de acción directas a Netflix de los últimos años. Existe, en virtud del diseño, un potencial suficiente aquí como para hacerme ver la secuela, aunque solo sea porque estoy interesado en ver de dónde sacan a los personajes de aquí. RE

Ponyo (2008; Hayao Miyazaki)
Hayao Miyazaki nunca ha hecho una mala película. Me ha decepcionado parte de la producción de Studio Ghibli, pero con Miyazaki a cargo, no debería haberme preocupado. Ponyo es una feria de escapismo de fantasía totalmente realizada que está bellamente animada y se siente maravillosamente fascinante de principio a fin. El maestro cineasta está una vez más en otro nivel en esto: es increíblemente simplista por naturaleza y logra capturar la imaginación de la audiencia. La película en sí es una de esas películas raras que atraerán tanto a los padres como a los niños, y es un gran reloj de confort para una tarde perezosa. B +

The Cat Returns (2002; Hiroyuki Morita)
Una secuela algo floja de uno de mis favoritos Las películas de Studio Ghibli, Whisper from the Heart, The Cat Returns no pueden capturar la misma magia con una trama de fantasía indescriptible que ofrece poca imaginación a pesar de un entorno y personajes únicos. La animación es creativa; que conduce a un conflicto increíblemente bien organizado en el acto final, y los villanos no son los villanos de fantasía típicos normales, pero esto nunca hizo clic de la misma manera que la mayoría de las películas de Ghibli. RE

El cargo (2017; Steven Spielberg)
A veces subestimamos a Steven Spielberg, incluso si nunca lo subestimamos, especialmente el Spielberg de la última década más o menos, dándolo por sentado si lo desea. Siempre ha sido increíblemente bueno y el 2010 s no fue menos importante para él en términos de hacer películas. Quiero decir, Las aventuras de Tintín y El puente de los espías solo son películas realmente impresionantes y The Post es otra excelente adición de dependencia profesional a ese catálogo que muestra sus mejores rasgos. Tiene un conjunto de estrellas con el que la mayoría de las películas soñaría, uniendo a dos potencias de actuación, Tom Hanks y Meryl Streep, para dar una carta de amor inspiradora y anti-Trumpiana al periodismo y su importancia que es exactamente lo que se necesitaba en ese momento. Dicho eso había mejores películas de 2017 para dibujar en términos de las nominaciones al Oscar, pero es fácil ver por qué The Post tocó un acorde con la Academia y con los críticos en general. B +

La verdad (2019; Hirokazu Kore-eda)
No es tan dramático como Ladrones de tiendas y sentirse más en línea con una película de Olivier Assayas que cualquier otra cosa; comparable a los gustos de Summer Hours y Non-Fiction, The Truth es una película encantadora que muestra los talentos de Catherine Deneuve y por qué ella es Uno de los mejores actores del juego. Sabiamente retrocediendo cuando Deneuve y Juliette Binoche brillan en el centro de atención, Ethan Hawke se pregunta en el fondo sin rumbo, pero nunca sin un propósito. La película relativamente lenta puede tomarse su tiempo para llegar a donde va y, como drama centrado en la familia, puede que no sea el mejor Kore-eda de su carrera, pero sigue siendo una buena película que instantáneamente hizo clic conmigo y muestra que incluso fuera de su elemento, el director puede brillar. B +

El ecualizador 2 (2018; Antoine Fuqua)
Una reducción de la entrada anterior en la franquicia que se siente más como una película de acción tradicional que la anterior, Denzel Washington es la única gracia salvadora en una película que toma alrededor de 40 minutos para ponerse realmente en marcha y no se intensifica la tensión hasta el acto final, que es tan indescriptible y como copiar y pegar según el género. Es predecible a cada paso y aunque Fuqua no es un mal director, con buenas películas en el pasado como Training Day y The Magnificent Seven remake, así como la primera película Equalizer para el caso, desearía que no hubiera tomado la ruta más segura con The Equalizer 2 que debería ha sido más delgado 94 minutos y de ninguna manera necesitó las dos horas completas. RE-

Nunca Raramente A veces Siempre (2020 ; Eliza Hittman)
2020 puede no ser un año tan prolífico para el cine como los anteriores por razones obvias, pero todavía hemos tenido algunas excelentes películas en nuestro camino en los últimos siete meses. Nunca Raramente A veces Siempre podría ser el mejor lanzamiento nuevo en lo que va de este año. Es una poderosa historia centrada en el personaje centrada en dos adolescentes en la zona rural de Pensilvania que se embarcan en un viaje a través de las fronteras estatales a la ciudad de Nueva York, donde las reglas del aborto son menos estrictas en lo que hace que sea una experiencia estresante, pero más importante, algo que es absolutamente necesario. ahora mismo. Sidney Flanigan y Talia Ryder realizan actuaciones completamente naturales e increíblemente sutiles en los papeles principales de este drama cargado de emociones que destaca las dificultades que enfrentan las mujeres jóvenes para abortar en Estados Unidos. La película en sí misma debe ser esencial para la visualización: es difícil creer que esta sea la primera película de Flanigan, ya que tiene el poder de superar a muchos veteranos experimentados. UNA

Algo en el aire (2012; Olivier Assayas)
Assayas regresa a su marco semi-autobiográfico que se utilizó tan bien en Agua fría , algunos 18 años después. Establecer inmediatamente después de mayo 1968 y mirando a un grupo de estudiantes que crecen en los meses siguientes, Algo en el aire puede sentirse como un “gran éxito” de los cineastas a veces pero nunca sin un propósito, mezclando sus elementos habituales de rebelión juvenil, cine y una perfecta caída de la música indie para crear una de las películas francesas definitivas de la mayoría de edad de la última década. La película en sí puede ser lenta pero nunca se mueve sin un propósito, mientras que la cinematografía de Eric Gautier crea algunas imágenes realmente memorables que te acompañarán mucho después de que la película haya terminado. Mi única queja importante sobre este es que el enfoque en el protagonista autoinsertable de Assayas roba la atención que se hubiera dedicado mejor a los personajes más interesantes en otros lugares, ya que el elenco de apoyo es mucho más animado que el protagonista principal, incluso si Es una elección que se siente totalmente intencional. UNA

Togo (2019; Ericson Core )
Una de las últimas películas que vi antes del cierre de los cines fue The Call of the Wild , y recuerdo estar increíblemente decepcionado por ello. Se sentía falso y carecía de cualquier sentido de drama, apuestas o escala alguna. Afortunadamente, en gran parte debido a Max Richter’s On the Nature of Daylight y la brillantez de Willem Dafoe, Togo logra hacer lo que The Call of the Wild no pudo: mantenerme cautivado incluso mientras cuento una historia tan antigua como el tiempo mismo. La película de Ericson Core se deleita en su tiempo de ejecución y su capacidad para mantener el ritmo apretado es una de las mayores fortalezas del drama, incluso si no puede escapar de su sentido de familiaridad. Esta es la película que debería haberse lanzado en los cines, en lugar de ser abandonada como una ocurrencia tardía en Disney +. C +

Castillo en movimiento de Howl (2004; Hayao Miyazaki)
La epopeya de Miyazaki se dispara hacia el cielo de una manera diferente a otras pocas películas de su género antes. han podido Howl’s Moving Castle rivaliza con el pico de Studio Ghibli de todas las mejores maneras y confirma a Miyazaki como el maestro de su oficio, entregando un mundo de fantasía completamente realizado donde el público se encuentra completamente inmerso en los personajes. y sus alrededores. La espléndida obra de arte se detalla desde el primer cuadro hasta el último con una precisión impecable, y Howl’s Moving Castle se enorgullece de enviar al público por una ruta que no siempre es sencilla, cambiando constantemente de dirección a la derecha hasta el final, pero nunca de una manera que no sea gratificante. A

Mi Vecinos los Yamadas (1999; Isao Takahata)
Quizás no necesariamente el mejor Studio Ghibli película, pero podría decirse que es la más subestimada, My Neighbours the Yamadas se siente más como una coproducción a primera vista debido a su estilo de tira cómica poco convencional, pero cuanto más la miras, más darse cuenta de que es más auténtico, más delicado y mejor ritmo que la mayoría de las películas animadas que han salido desde el lanzamiento de esta película, incluso si se siente principalmente como un grupo de viñetas reunidas para formar un todo coherente, no muy diferente de la estructura de Los Simpson ‘icónico 22 Cortometrajes sobre Springfield o Robert Altman Short Cuts , pero en lugar de esos dos ejemplos, mantiene el enfoque en una sola familia, lo que hace que caracteres sentirse tan real como cualquier otro. Si bien la comedia no es del agrado de la multitud, en cambio, está centrada en los personajes, jugando con las fortalezas y debilidades de los protagonistas y es algo que solo funciona en My Neighbours the Yamadas ‘ favor. Al final del día, esta película es solo una joya encantadora, y demuestra que Takahata es tan buena como Miyazaki, si no en algunos casos, mejor. UNA

Comprador personal (2016; Olivier Assayas)
Esta es mi película favorita de la última década. Estaba completamente enamorado de él desde la primera vez que lo vi y me enamoré aún más en un tercer reloj a principios de este mes. Es una combinación poderosa: Kristen Stewart muestra cuán talentosa es: si la has visto trabajar Twilight , te estás perdiendo de presenciar a una de las mejores actrices trabajadoras de Estados Unidos. ahora mismo. Personal Shopper es otro ejemplo de ella en la cima de su juego: una entrada brillante a su filmografía. Es Assayas en su mejor momento, sirviendo como un examen del proceso de duelo y aceptación y llegando a un acuerdo con lo que se ha perdido en el pasado, utilizando una historia de fantasmas para la era moderna como marco para construir la narrativa. Es un ejemplo perfecto de un director y un actor unidos detrás de una visión unánime, con ambos completamente comprometidos en que se cuente de la mejor manera posible. A +

Radioactivo (2020; Marjane Satrapi)
Esto se siente como una película en desacuerdo consigo mismo, su dirección creativa empujando hacia atrás contra su guión lineal y desafortunadamente en este caso, es el guión de Jack Thorne el que gana, dándole a la película la estructura biográfica demasiado predecible que tiene ecos distintivos de la narrativa formulada que se encuentra en películas como The Gary Oldman Oscar vehicle Darkest Hour . Nada en Radioactive emociona o entretiene, a pesar de la dirección animada de Satrapi y una actuación enérgica de Rosamund Pike. Esta es una película que no le hace justicia a Marie Curie, y se siente completamente olvidable, lo cual es una lástima ya que su comercialización se burló de esto como un soplo de aire fresco en el género, cuando es más de lo mismo. RE

Cómo construir una niña (2020; Coky Giedroyc)
Beanie Feldstein es excelente en un papel principal, dando una actuación increíblemente carismática que demuestra que puede maneja el drama más emocional de la mejor manera posible con la comedia, pero desafortunadamente How to Build a Girl nunca escapa de las sombras familiares de películas como Almost Famous y Sing Street , que recuerda instantáneamente, siguiendo a un joven crítico de rock en el camino al estrellato con todo el drama típico que lo acompaña. Un fuerte reparto de reparto y guión de la escritora Caitlin Moran, cuya novela la película está adaptada de casi salvar esta película, pero la dirección y la historia son tan increíblemente inspiradas que rápidamente se desmorona, sin llegar a alcanzar el estado de agrado de la multitud que intenta tan difícil de lograr RE

Pom Poko (1994; Isao Takahata)
El último estudio no coproducido La película de Ghibli que necesitaba ver desafortunadamente significaba que mi viaje a través de su filmografía terminó con un gemido en lugar de una explosión, lo que, considerando todo, es bastante decepcionante. Pom Poko es una extraña bestia de una película, y sus influencias sobre la Isla de los Perros
de Wes Anderson se sienten claramente, lo que significa que sería un Ideal doble factura. Sigue siendo una rareza en la filmografía de Studio Ghibli, especialmente en la de Isao Takahata cuando se considera cuán brillante es su trabajo en otros lugares. El final logró golpearme sorprendentemente duro a nivel emocional y, como todas las películas de Studio Ghibli, Pom Poko tiene mucho en su tiempo de ejecución para gustar: su fuerte incorporación de temas pro-ambientalistas es altamente digno de elogio y su obra de arte es, como siempre, impresionante. C +

Rambo: Last Blood (2019; Adrian Grunberg)
Inspirador, a menudo necesariamente malo y totalmente incómodo de ver debido a su exceso -confianza en los estereotipos, Rambo: Last Blood es la película más débil de la franquicia por una posibilidad remota que se siente completamente olvidable. Mientras esperaba que se pudiera encontrar una nueva vida en la franquicia Last Blood es la película que en cambio retrocede dos pasos, tomando una ruta completamente predecible que nunca logra excitar o entretener incluso en su baño de sangre de un acto final. Sylvester Stallone, como lo demuestran sus actuaciones en el pasado, es un buen actor cuando lo intenta, pero Last Blood se siente muy parecido a él en el piloto automático. MI

El gigante egoísta (2013; Clio Barnard)
Clio Barnard es uno de los directores británicos más prometedores en este momento, con The Selfish Giant estableciéndola como una de las mejores en su campo. Es una película sombría, ambientada en el norte de Inglaterra en una ciudad dejada por la sociedad, arruinada por los años de austeridad que nunca se recuperó por completo bajo el thatcherismo. Cuando su protagonista principal es expulsado de la escuela y recurre a la recolección de chatarra para ganar dinero, The Selfish Giant toma un camino diferente y más oscuro que está a la altura de los elogios acumulados, saboreando su dramatización completamente natural que evita la sensación de escritura forzada, comparable a la de Ken Loach en su ejecución. Conner Chapman y Shaun Thomas presentaron actuaciones completamente convincentes que ayudan a que esta película funcione tan bien como lo hace, con su química brillando y conduciendo a un final inolvidable que no podré olvidar. UNA-

Se sintió como el amor (2013; Eliza Hittman)
Quería ver otro película de Eliza Hittman después de estar increíblemente impresionada por Nunca rara vez a veces siempre y aunque Sentía amor no estaba en ese nivel, muestra signos de lo que vendrá del director. Es una película anti-romántica de la mayoría de edad que disipa la nostalgia sentimental que tienden a tener las películas centradas en el primer amor, e incluso las opciones de banda sonora te recuerdan la dura realidad del escenario de la película. Se siente como el amor vuelve a llamar a El mito del verano americano , mientras se las arregla para utilizar los gustos de Céline Sciamma Lirios de agua y Fish Tank
de Andrea Arnold como influencias importantes y orientadoras que marcan el ritmo del tono único de la película que le permite a Hittman sentirse como una voz nueva y fresca en cine. Hay que alabar a la actriz principal Gina Piersanti en su primer papel importante, ya que la película disfruta de su deconstrucción del género. C +

Mis relojes favoritos por primera vez en julio: Nunca Raramente A veces Siempre , Érase una vez en América , El gigante egoísta y Algo en el aire

¿Qué viste el mes pasado? ¿Qué piensa sobre las películas que he revisado anteriormente y cuáles son sus películas favoritas de Studio Ghibli? Déjame saber en la sección de comentarios a continuación.