Mes de la historia negra: estas películas que cambiaron la historia del cine negro

Mes de la historia negra: estas películas que cambiaron la historia del cine negro

© “Hijas del polvo” – Julie Dash (1991)

Febrero es el Mes de la Historia Negra, el mes de la conmemoración anual de la historia de la diáspora africana que el presidente Gerald Ford celebró por primera vez en los Estados Unidos en 1976 y que recientemente se exportó a Europa. La oportunidad de repasar las líneas generales de la historia del cine afroamericano y algunas de sus películas emblemáticas.

La historia de Estados Unidos está indisolublemente ligada a la historia de la gente negra, enredada durante siglos en una danza frenética y macabra de prejuicios e ideales raciales desarraigados. Desconcertado, el rostro del mundo se ha proclamado durante mucho tiempo monocromático, apenas enmascarando tras los discursos colonialistas las salpicaduras rojizas de su violencia. Sin embargo, sus heridas siguen goteando la sangre de sus víctimas, y nada del paso de los soldados negros norteamericanos por Europa, un poco menos racista, el sueño de Martin Luther King, la sentada de Rosa Parks o la abolición del apartheid no fue suficiente. para curarlos.

George Floyd, Breonna Taylor, Ahmaud Arbery … y todos los demás Adama Traore. ¿Cuántos Mes de la Historia Afroamericana necesitas para ver la historia a través de una lente que no sea la blanca? ¿Cuántas películas de carreras, Black Rebellion, “Within Our Gates”, “West Indies”, “Black skin, white mask” y “35 Rums” todavía tendrán que luchar para llegar a los cines, o simplemente no ser considerados “los primeros en tengo …”? ¿Cuántos “Malcolm & amp; Marie ”¿todavía tendrá que cuestionar el cine, su industria, sus discursos y sus formas de hacer las cosas?

Frente a la historia de los opresores, no hay tantas opciones, si no hacer ruido. Hacer lo suficiente para ser escuchado, para que ya no sea posible poner bozal a los condenados de la tierra. Hacer lo suficiente para que el estruendo de las manifestaciones, conmemoraciones y producciones culturales se apodere de ellos y por un nuevo lenguaje que aporree los estereotipos raciales, las fantasías y los imaginarios colectivos.

La historia de Estados Unidos está indisolublemente ligada a la de los negros, enredada durante siglos en una danza frenética y macabra que la industria cinematográfica ha disfrutado de manera invisible desde su nacimiento. Solo hay que ver la emoción en torno a películas como “Get Out”, “Black Panther” o incluso “Siento molestarte” para entender que ella necesita serios estudios, que todos debemos ir a conocer nuestra historia. He aquí, pues, una pequeña selección de largometrajes, que no es en absoluto exhaustiva, pero que propone hacer tambalear el barco, y por qué no incluso comenzar a hundirse (“Putney Swope”, 1969).

DISCURSO SOBRE EL MÉTODO: UNIVERSALIDAD

DISCURSO SOBRE EL MÉTODO: UNIVERSALIDAD

“Dentro de nuestras puertas” – Oscar Micheaux (1920)

“Dentro de nuestras puertas” – Oscar Micheaux (1920)

Entre las leyes de Kim Crow, el renacimiento del Ku Klux Klan, la gran migración afroamericana hacia el Norte y el Medio Oeste y el surgimiento del “Nuevo Negro”, “Within Our Gates” de Oscar Micheaux es un doble testimonio de es la hora. El período de posguerra y los disturbios raciales que vieron chocar a las comunidades blancas y negras de febrero a octubre de 1919 están profundamente arraigados en su ADN. La invisibilidad de las creaciones afroamericanas también: la película parecía perdida para siempre antes de que se encontrara una copia en 1970. Contra el racismo, los linchamientos y la supremacía blanca, Michaux usa la escuela como una herramienta de emancipación y trata de romper la imagen estereotipada del afroamericano. y sus representaciones.

“El negro de …” – Ousmane Sembène (1966)

“El negro de …” – Ousmane Sembène (1966)

Así como la historia de América y la de los negros están unidas para siempre, la historia de África y la esclavitud no es ajena a la de Europa y, además, a la de Francia. Navegando desde Senegal a Francia, violando cada vez más a su protagonista, sumergiéndola en el estado subordinado de sus antepasados, “La noire de …” cuenta la historia del colonialismo y sus legados a través del prisma de una joven negra. . Sumergiendo al espectador en una psique subrepresentada en la pantalla, Ousmane Sembène también cuenta la historia del cuerpo negro, y cómo también puede ser una herramienta de activismo e identificación universal.

“Hijas del polvo” – Julie Dash (1991)

“Hijas del polvo” – Julie Dash (1991)

“Las hijas del polvo” de Julie Dash tiene una importancia excepcional en la historia del cine. Detrás del último día de una familia afroamericana que vivía en la comunidad de Gullah antes de su migración al norte a principios del siglo XX, su figura matriarcal roza la ambición detrás de la película: ser un punto de inflexión entre el pasado y el presente y futuro; Pasar del individualismo a la comunidad, al trabajo ya la fuerza del colectivo. Aunque no se mostró hasta 1992, el metraje se concibió en 1970, en un momento en el que el discurso que pronunció no solo era moderno y visionario, sino totalmente revolucionario.

“El secreto del pantano” – Kasi Lemmons (1997)

“El secreto del pantano” – Kasi Lemmons (1997)

Más de veinte años antes de que “Black Panther” trajera millones a los estudios de Disney / Marvel, “El secreto del pantano” ya había demostrado que las películas totalmente negras podían ser rentables: es la película independiente más rentable de este año. Año 1997 Teniendo como eje la abundante interioridad de una joven negra, testigo de las aventuras extramaritales de su padre, sin convertirla en vector de un discurso social, Kasi Lemmons realiza una película profundamente política. A través de la ficción, da acceso al igualitarismo.

CINE AFROAMERICANO, MÁS ALLÁ DE LAS FRONTERAS

“Orfeu Negro” – Marcel Camus (1959)

“Orfeu Negro” – Marcel Camus (1959)

Existe una tendencia a reducir la historia del cine afroamericano a los Estados Unidos y sus industrias de Hollywood e independientes. Ciertamente, porque está escrito y contado por hombres blancos, para hombres blancos (y algunos otros). Pero como todo lo demás, traspasa los límites de las fronteras.

Concebida entre Francia, Brasil e Italia, “Orfeu Negro” es sin duda una de las primeras películas negras en ser tan aclamada. Palme d’Or en Cannes, mejor película en lengua extranjera y mejor película extranjera en los Oscar, BAFTA y Globos de Oro, a través de la danza, la música y los cuerpos, levantó el velo sobre la comunidad negra de Río, hito de la cultura brasileña.

“De Cierta Manera” – Sara Gómez (1974-77)

“De Cierta Manera” – Sara Gómez (1974-77)

Obra híbrida entre documental y ficción, “De Cierta Manera” se adentra en los inicios de una historia de amor en un contexto de machismo-leninismo. Una historia profundamente consciente de las barreras culturales, de la herencia religiosa y cultural cubana, del determinismo social que amenaza constantemente las escasas posibilidades de emancipación femenina. Más que una creación afrocubana, es una reflexión sobre el futuro de las jóvenes que se afianza, al mismo tiempo que una reflexión sobre el hombre indecible.

“Amor Maldito” – Adélia Sampaio (1984)

“Amor Maldito” – Adélia Sampaio (1984)

En muchos sentidos, Adélia Sampaio ha traspasado fronteras con su largometraje. Primero, en 2019, seguía siendo la primera y única cineasta brasileña negra en haber dirigido un largometraje en su país con su propio pie. Entonces, rara vez una película ha luchado tanto para ser estrenada en los cines.

Producido al final de la dictadura colombiana, “Amor Maldito” es víctima de un sistema. Inspirada en una noticia (el suicidio de una joven y el cargo de asesinato que se le imputa a su novia), la agencia nacional brasileña primero hizo todo lo posible para que él no viera la luz al negarse a financiarlo. Luego, una vez producida por el equipo de manera participativa, las productoras simplemente se negaron a transmitirlo, sin duda lo consideraron demasiado ofensivo.

Después de desafiar los límites de la raza, la sexualidad y la financiación, fue en última instancia el género lo que intervino Sampaio, accediendo a estrenar su película en un cine porno para que pudiera hacer una carrera.

SOBRE LA “TEORÍA DEL GÉNERO” Y LAS SEXUALIDADES

“Borderline” – Kenneth Macpherson (1930)

“Borderline” – Kenneth Macpherson (1930)

“Borderline” presenta una doble historia extramatrimonial. Primero el de Thorne y Adah, es blanco, es negro, luego el de Astrid, la esposa blanca de Thorne, y Pete, el marido negro de Adah, en reacción al primero. Todo está presente para levantar los pelos de lo más puritano, la relación extramarital, las relaciones interraciales y la navegación en las turbias aguas de la bisexualidad. Todo a través de la mecánica de los sueños y los experimentos estéticos.

“Losing Ground” – Kathleen Collins (1982)

“Losing Ground” – Kathleen Collins (1982)

Kathleen Collins firmó un hito en el cine negro independiente, interrumpiendo la forma en que se retrata a las mujeres negras en la pantalla porque es la primera película que presenta a una mujer negra con una vida profesional estable, luchando con un matrimonio.Terminando, tratando de reconciliar carrera, aspiraciones personales. y desarrollo en una sociedad patriarcal. Kathleen es una de las primeras en tratar a una mujer negra como el sujeto de la acción, como un sujeto sensible, intelectual, sexual y subjetivo.

Al mismo tiempo, “Losing Ground” muestra la vacilante masculinidad del marido, que se pierde en la sombra de Sarah, cuyo poder no puede ver, demasiado convencido de su poder como hombre. Con eso, es la demanda por la igualdad de género la que emerge.

“Lenguas desatadas” – Marlon T. Riggs (1989)

“Lenguas desatadas” – Marlon T. Riggs (1989)

A mediados de los años del SIDA, Riggs se entera de su estado serológico. Para él, el cine ya no debería llevar más que proyectos ambiciosos e innovadores, cuya punta de lanza estará formada por cuestiones raciales, cuestiones sobre ideas sociales preconcebidas y sobre lo que se muestra en la pantalla de las masculinidades negras.

“Untied Languages” quiere llevar un mensaje universal sobre las masculinidades, ya sean blancas o negras, heterosexuales u homosexuales. En términos más generales, este es el manifiesto de la personalidad agitadora de Riggs.

PARA SUPERAR LOS ESTEREOTIPOS, EL CINE COMO LENGUA

“Lo que el viento se llevó” – Victor Fleming (1936)

“Lo que el viento se llevó” – Victor Fleming (1936)

El cine es un lenguaje codificado por maestros blancos para cumplir con sus estándares raciales. En “The Mask of heart: Breaking the Aesthetic – Film and Literature”, Clyde Taylor evoca “la necesidad epistemológica de la sociedad dominante, casi un hambre histórica y cultural, de ver negros feos, de hacer asociaciones conmovedoras con los barrios marginales, la pobreza, abyección y autodesprecio ”.

“Lo que el viento se llevó” no podría describirse mejor. Ciertamente Hattie McDaniel es la primera mujer negra en recibir un Oscar por un papel secundario, pero ¿podemos hablar de este papel, bien en su lugar en su condición de esclava, objetivado, nunca sujeto, siempre “buen negro” en la pantalla?

“West Indies” – Med Hondo (1979)

“West Indies” – Med Hondo (1979)

En cuatrocientos años, los fundamentos de la lucha por la liberación negra no han cambiado tanto al final. La trata de esclavos evolucionó hacia una esclavitud más perversa, compuesta por el feudalismo, el capitalismo, la migración a las grandes ciudades del norte con la esperanza de ganar tres kopeks. Es este hecho alarmante el que cuenta “West Indies”.

Pero también habla de reclamos culturales, de protección de las particularidades locales, tejiendo así el gran fresco de un nuevo lenguaje cinematográfico. Un lenguaje que quiere comprender los mecanismos de la esclavitud y la opresión para poder combatirlos mejor.

“Canciones de Handsworth” – John Akomfrah (1986)

“Canciones de Handsworth” – John Akomfrah (1986)

En la década de los ochenta, el East London vio el nacimiento del Black Audio Film Collective, que reunió a algunos de los que querían revertir el discurso anticristo nacional imperante, repensando el funcionamiento de la represión racial, colonialista o de clase. Los siete artistas de este colectivo estudian la codificación de los prejuicios sociales en los medios de comunicación (televisión y periódicos) y ofrecen su análisis en forma de rompecabezas, de fragmentos que el espectador debe remontar en su mente. Es cierto que este enfoque original la convierte en una película elitista, pero no se puede negar que es la primera vez que una película ha suscitado un debate nacional, vivo e intelectual.

“Una estación blanca seca” – Euzhan Palcy (1989)

“Una estación blanca seca” – Euzhan Palcy (1989)

Aquí se trata de los límites de la industria cinematográfica francesa y del deseo de una mujer de escribir una forma de hacer una película. Adaptada de la novela homónima de André Brink, producida en Estados Unidos, trata sobre la lucha contra el apartheid sudafricano contada con la mayor decencia posible por un no sudafricano. Debido a que para su “A Dry White Season” solo podía traicionar su punto eligiendo actores afroamericanos, ella insistió en conseguir lo que quería, un elenco sudafricano.

“Franz Fanon, piel negra, máscara blanca” – Isaac Julien y Mal Nash (1995)

“Franz Fanon, piel negra, máscara blanca” – Isaac Julien y Mal Nash (1995)

Para Fanon, es la mirada la que estructura el pensamiento. Es a través de la mirada que se instaura el racismo, extensión del brazo armado del colonialismo y la esclavitud. Partant des réflexions de Fanon, et montrant alternativement des images d’archives, des entretiens et des moments de fictions existentialistes, les deux réalisateurs questionnent le langage politique et esthétique du cinéma, ils se demandent «Jusqu’où l’image peut-elle remplacer ¿el lenguaje? La traducción a lo visual es un acto de síntesis ”(Isaac Julien).

Para más información, recomendamos la obra colectiva “Black Light – Pour une histoire du cinéma noir” publicada con motivo de la retrospectiva “BLACK LIGHT” en el Festival de Cine de Locarno en 2019.

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